冯博一好像打定了主意，要不由分说地批评自己，质疑自己。
见面前，他提出要求：带着“批评”来，给我的工作“挑刺”。理由看上去也很冯博一：做传播，就是要挑起话题，人人都说好，都喊着牛逼，天天这些空话虚话，你好我好，有什么劲呐？没劲！他想来点有劲的。憋了一肚子关于自己的坏话，像个蓄势待发的踢馆者，对这场自己筹备了一年多的展览，如秋风扫落叶一般地，毫不留情地扫射。一个问题抛出，得到的常常是纠正：“这个问题你可以这么问。”他时时不忘提醒，还可以有更刁钻，更尖锐，更让他如坐针毡的问法。然后才是：“我觉得我可以这么回答……”认认真真地，不那么老炮儿地，把那些质问接住，把玩，拆解，然后扔掉。从这个角度，本篇访谈是冯博一的独角戏，他自问，自答，也偶尔拒绝回答。他自我反思，也自我表扬，也自我辩护，更自我批判。他擅于把自己放进一个坐标，也擅于随时跳车离开，他口口声声厌烦此地，但又心甘情愿热爱这份工作。很显然，那个下午，坐在位于北京798艺术区一隅的东京画廊里，冯博一无意于让我勾勒出一个全局的、360度的冯博一。他乐于详尽而不厌其烦地向我讲述关于“堆叠”的一切，它的每一个细节、每一处成功和失败。即使从时间的物理意义上，也不难理解他对这场展览的看重——20年前，作为第一个进驻中国的国外画廊，东京画廊在798开业做的第一个展览，是冯博一为其策划的“北京浮世绘”。20年后，他与17位曾和东京画廊合作过的艺术家携手重新登场，看上去似乎理所应当。但20年后，面对眼前的今天，冯博一却失语了。他不那么想谈论过去，对怀旧意兴阑珊，他无意于回顾、总结和告白过往20年，同时对任何看上去过于温情脉脉又假模假式的升华充满了警惕。
ARTDBL：这次“堆叠”展览，玩法很有意思，17个艺术家，19件作品，分批进场，不断有新的艺术家进来，不断用新作回应旧作，不断制造不确定性，会担心产生混乱吗？
我设定的这种“强策展，递进式”展览方式，有些细节规定会比较明确，目的就是避免出现混乱。但有一个前提，艺术家怎么做，我不干涉，因为一定要给他们留出自由创作的空间。例如最开始进驻的第一批艺术家，其中3位的作品是以前的，徐冰、隋建国和刘索拉，这些都是老江湖，也很难要求他们为这个展览做新作品，就从他们的旧作里选了跟“堆叠”概念有关系的作品参展。另外3位宋冬、展望和张小涛的作品，则根据上面三位的作品而来，有一定的针对性，都是新作。之后每一周，会有两位艺术家进驻，实际上为了避免混乱，5月4日第一批7位艺术家的7件作品入场之前，大部分艺术家的方案都有了。除了作品的不确定性，布展也在不断调整。例如后入场的艺术家缪晓春的作品进来后，就和张小涛的换了位置。但总体还好，目前来说还没有出现混乱的情况。当然从另外一个角度，艺术家之间也有竞争，作品跟主题是不是呼应，具不具有个人化的特点，最后看谁做得牛逼。做完之后，大家心里都会明白，谁做得更好一点，谁做得差一点，谁做得不太到位。
ARTDBL：你提倡“强策展、递进式”，这种迭代、进化的策展思路，怎么来的？
冯博一： 这个问题你可以这么问，“堆叠”是否有剽窃去年崔灿灿在深圳坪山美术馆策划“九层塔”展览的嫌疑？我可以这么回应一下，其实去年就想做，上海陆家嘴有个空间做开馆展，我提了这个方案，不叫“堆叠”，叫“膨胀”。但有一点不同，我当时想请的是艺术家、建筑师和设计师三个领域，也是开幕有两位，之后每周再进驻两位，一直开三个月。后来各种原因没合作成。但这个想法的最初发源，要追溯到2009年，在北京草场地的陈绫慧当代空间，我策划过一个叫“空间的多米诺计划”项目，也是艺术家分批来实施作品，从开幕一直到完成。2010年，我在何香凝美术馆兼职，做过“两岸四地艺术交流计划”，长达五年，其中2014年“因地制宜”部分，选出艺术家先后在澳门艺术博物馆、台湾屏东美术馆、深圳何香凝美术馆和香港大学美术馆创作，每到新的地方，参展作品都要叠加在地性创作的内容，最后一站艺术家的作品才最完整。所以从2009年，到2014年，再到2022年，“堆叠”的概念是有一定线索的，和以往策展有关联的，而不是孤立的，偶发的突发奇想。
ARTDBL：有人形容你在展览现场像一个包工头，一个策展人跟包工头是一种什么关系？
冯博一：包工头，这说法没错，我还说呢，策展人像贫下中农一样辛苦。
在工作中，策展人要照顾到方方面面，就像所谓包工头，所有的工作都要对接和调整。从策展的思路，每个展览都有主题，每个主题策展方式怎么考虑，选择什么空间，什么样的艺术家，还有经费的问题，新作、旧作的问题，还有布展，画册，工人，运输保险，摄影、摄像，还包括展览的宣传、推广，工作坊，跟大众的关系……作为一个策展人，都要通盘考虑。比如说，这次“堆叠”展览，有17个艺术家，19件作品，在400多平米的室内外空间里，怎么放，既要保证整个空间的协调完整，还要考虑到艺术家个人的要求。策展人身份的规定性，就在于方方面面都要顾及到，一旦顾及不到，可能某一环节就会出现问题或者纰漏。工作身份涉及的面比较多、协调的关系比较多，就要求策展人要严谨、周密和周到。我天秤座，上升星座又是处女，所以我很周到、细致和挑剔（笑）。
ARTDBL：这种周到，和你平时嬉笑怒骂的风格，会矛盾吗？
冯博一：人格的多重面具吧。策展人的工作，一个是所谓像“包工头”，除此之外，策展人更多带有实践性，是个知识和经验的累积。我第一次以策展人身份出现，是1993年。后来跟艾未未、徐冰、曾小俊编了本《黑皮书》，1994年出版，算是正式进入所谓当代艺术江湖，到现在30年了，有了一定的经验，说白了就老江湖了。再一个，我是属于民间的独立策展人，没有更多的顾忌。所以就能嬉笑怒骂，比较放肆。包括做“堆叠”，如果像既定的展览，找一些艺术家，摆摆作品，挺无聊的，所以我老强调要“强策展”，我规定游戏规则，艺术家要是接受，就按这个规则走，要不接受你就甭参展，艺术家多的是（笑）。
ARTDBL：这种策展人和艺术家之间权力的较量或博弈，是否会面临艺术家的失控？
冯博一：这恰恰是我在“堆叠”设计中希望达到的效果。展览不仅仅是策展人跟艺术家和主办方的协调、博弈，同时也是艺术家之间的博弈，竞争本身也是一种博弈。“堆叠”同时是一个实验，策展人设定的游戏规则，大家到底是怎么遵守的，有些可能遵守了，有些可能没遵守，从某种角度来说，艺术家有自己独立的想法，他不太愿意按照你这个方式来进行，这对策展人本身也是一种挑战。这恰恰是我想做的，不确定性的内容与形态。我一直理解，实验这个概念它有可能失败，有可能成功，有可能达到一定的有效性，也有可能没达到。这才是实验的感觉，要不然就是模式化。
冯博一：那不会，实验过程当中出现的一些新的问题和新的现象，我不会有挫败感，只会觉得：还是艺术家牛逼。艺术家独立、自由，他不愿意受各种限制。当然我也会试着说服他们为这个展拿出新作品，但同时也尊重他们的创作。比如说王庆松，他因为有事老在外地待着，回不来，想回来的时候又隔离了，没有一个比较好的、安静的创作状态。于是拿了一个旧的作品，他做的一块迎宾牌，上面罗列了187个禁止的标识，比如说不能抽烟，不能拍照，不能打游戏……虽然是旧作，但他觉得跟现在疫情防控哪儿也不能去、生活里充满了各种限制的当下特吻合，就拿过来了。我说没问题，我不强求或者说强迫艺术家怎么样，完全尊重他们的选择。
最后三批共6位艺术家的创作，除了朱建忠的作品具有明确的针对性之外，其他艺术家更多地是针对于“堆叠”的主题概念、展览空间和现实境遇。这种自由、独立的创作，抑或偏离了策展人的意图，却反而验证了这次展览的不确定性过程及状态，包括每一周的布展，都在不断地调整一些作品的位置。由此也构成了这次展览一种别样的“在场性”和“被折叠”的特征了。
ARTDBL：对于艺术家呈现出来的不同面貌态度，你是有准备的？冯博一：对。例如2013年做“两岸四地”的时候，其中的“1+1”概念让两个艺术家一块合作做作品。有的艺术家合作挺好，但有的就合作崩溃了。那时候就已经验证出这种企图交流和难以交流的状态。而恰恰是不同的结果，才能反映出策展人和艺术家之间的关系，或者说参展艺术家之间的关系。我觉得一个展览既能呈现当下的结果或者现状，同时也生发出不同的观点，起码不是线性的或者简单的一对一的，这也是希望能在展览中达到的效果。
“堆叠”展览现场，艺术家李松松的作品《真爱》。
ARTDBL：这次展览，为什么要在合作过的旧面孔里面挑艺术家，不选择让更新的力量加入？
冯博一：因为“堆叠”是一个纪念特展，还是带有纪念性和庆贺性。这个特展应该能够反映出20年来东京画廊在中国当代艺术生态以及中日交流中起到的推动作用，所以在身份上就做了这样一个限定。这些艺术家都在过去20年里跟东京画廊有不同程度的合作，有的是个展，有的是联展。包括我一直在强调“堆叠”的概念，其实也能够反映出东京画廊这20年来在中国、在北京、在798的一个工作成果和经验的堆叠过程。但抛开这些，这场展览实际上是个全新的产物。有人问过我，这个展览跟20年前我为东京画廊做的第一场展览“北京浮世绘”是一种什么样的关系，我说没什么关系，就是不同时间，相同的地方，不同的人而已，没有什么特别直接的关系。等于我打着20周年的纪念大旗，做了一个新的展览，而这个展览用接龙的方式，针对了当下的问题，这也是一种纪念形式。我也只能做到这样，不一味地回忆、回顾，而是利用纪念去面对当下，面向未来。
ARTDBL：那又如何避免让这场背负着纪念意义的展览，沦为一次表彰大会？冯博一：是，我就是想摆脱以往大家都熟知的展览模式，一般这种纪念性的展览都像嘉年华，请来各路人马、所谓功成名就的艺术家，拿一些作品在特定的时间、特定的空间展示，这种方式太陈旧、太模式化了。我想通过“堆叠”突破一下，就设定了这样一种不断进入、不断进化的方式，我特别强调可以用一种四两拨千斤智慧的方式来做作品，而不在于多大体量、多么高科技，当然这里有一个限制，没那么多钱（笑），所以我跟艺术家说，这回要钱没钱，要命有一条，你得用一些智慧的方式，概念最重要。你像宋冬的“链与不链”，就特别吻合这次展览，而且它和所有的作品都有一个直接的对话，也没花多少钱，还是挺强，挺有意思的。
ARTDBL：所以看到整体的展览效果，你觉得还满意吗？
冯博一：还是比较满意的。第一，在经费有限、疫情防控下，这个展览还能得以实施，能形成这样一个结果。第二，我挺感谢这些艺术家的，很多艺术家特积极，特主动，特认真，甚至展望还说他又做了一件新作品，能不能加进来，我说行。所以我特别强调，作为策展人，或者说艺术机构，怎么提供一种途径或者机会，让艺术家能够来发挥，来呈现，来表达，来创作。这个是挺重要的，尤其是在疫情防控期间，说得不好听，闲着也是闲着（笑）。外人可能不太清楚，现在有时候做展览，艺术家要求很高的。前段时间有个展览，年轻艺术家就闹：你邀请我参展，利用了我的资源，得给我艺术家费。然后集体罢工，不参展了。这事儿引起很大争议。当然，艺术家参展，尤其是新作，要给创作费，材料费，另外展方要负担布展、运输、保险什么的。但这次“堆叠”，艺术家们根本就没有提条件，比如我跟缪晓春说，没钱，尽量都你自己做好，直接拉过来，我们帮着拼装布展就行了，他说行，尽量都做好，还画了一个特别详细怎么拼装的图，方便施工……
冯博一：对，我有点趁火打劫了（笑）。一方面看，确实是剥削艺术家，不按行规办事。但作为主办方、艺术机构，还有策展人，你还是要有好的概念，好的想法。这种好的概念和想法能够激发艺术家进行创作，当艺术家觉得这个事有意思，他愿意参与，就不太计较这些细节。例如他们肯定考虑到东京画廊在北京这20年也挺不容易的，可能还觉得这个展览挺有意思的，也就都不太计较个人得失或者说行规，这就省去了很多麻烦。所以叫“趁火打劫”。
ARTDBL：能把这个“劫”打成，也有策展人的魅力吧？
冯博一：他们首先看重的，肯定是东京画廊这个形象品牌，当然也跟策展人有关。不管怎么样，我是30年老江湖，比较资深了，跟他们关系也不错。从个人角度来说，我也尊重艺术家。尽量从他们的角度来考虑、安排和协调。所以会有这样一个良好的合作关系。话说回来，和这些艺术家合作过那么多次，肯定有的展览可能条件好一点，有的展览可能条件差一点，其实大家还是为了共同的目标，可以有相对的共同体，来实现一个乌托邦的想法，假设你这个展览特没劲，特无聊，人家肯定爱搭不理。这也是策展人所谓的作用，肩负着如何提供机会，如何能够激活、激发艺术家的想法，使这个项目能产生一种有效性的影响。我老提有效性，为什么？一些展览看上去，挺热闹的，开幕式也挺光鲜的，但没有留下任何可构成思考的，那就是策展人没有发挥出功能。好的策展人，恰恰是在不太好的，或者说有限条件下，能做一个有意思的展览出来。2009年，“空间的多米诺计划”，参展艺术家于凡现场创作《池中之兽》。
ARTDBL：关于这次展览，你心里有特别理想的设想吗，例如艺术家间有很强的火花出现，作品呈现特别强的关联性？
冯博一：我当然期望，当然希望这个展览在形态上和策展的方式、概念上都打破现在流行的模式，而且都是反映当下的新作品。但我也看到，目前的很多作品，例如王庆松的《迎宾牌》，不是新作，也不是针对某一个艺术家的作品，但一定是针对当下。再例如宋冬的铁链，除了物理意义上的铁链，和我们所熟知的铁链女事件，它还有两层含义，一个是口罩和疫情防控，和一种无形的“铁链”，在束缚，在限制。这是个很典型的作品，他遵循了我的要求和规则，也是新作品，同时又有这么强的针对性，跟当下整个的环境变化有艺术关系，这个铁链是个很强烈的符号，但沿着建筑本身游走，好像又很中性，就变得特别有意味了。
ARTDBL：做展览这么多年，好像你一直没放弃艺术对当下的呼应？冯博一：作为一个艺术家也好，策展人也好，肯定要根据时代的变化，把所谓的社会能量，转换成你个人的能量，艺术家就是创作，策展人就是通过展览把这种社会能量转化出来，所以我一直强调具有所谓的现实针对性，我要做的展览一定跟现实有关。当然这是一个大的前提、大背景，具体每一个项目有每个项目的特征。总体来说，作为一个策展人，既然是做当代艺术策展，就要随时具有敏感性，要敏锐，你能不能对这种所谓的社会能量——这是说得好听，直白点就是社会问题——实现转化，通过展览的方式激发出艺术家对当下的思考和艺术创作。再加上我这人比较一根筋或者说比较傻，30多年来一直这样，没太变。那天唐晖还说：老冯，我看这帮策展人，现在也就你在坚持做了。的确，因为各种各样的原因，很多我们60年代同批的策展人，都不做了。就我还守着。但后来我发现，坚守还是挺重要的，有些人一会儿杂志时髦做杂志了，画廊时髦就做画廊去了，老变来变去，策展人的身份就变得很模糊了。当然有些人的离场也代表着他们失望、愤懑，或者是受不了，烦了，说这个圈子尔虞我诈，就是一个名利场，就不做了，走了。也有人是身体不好，只能不做了。我就比较傻逼，一直在做。
ARTDBL：但是不离场，也不代表你没失望过，没愤懑过吧？冯博一：我有时候在媒体上嬉笑怒骂、混不吝，其实都是对现状的反应。但是，对有些状况的愤怒也好，看不惯也好，我还是觉得，既然做这份工作，就看你怎么做，再加上对这个（策展）还挺有兴趣的，生活还挺丰富挺鲜活的，更别说你遇到的时代的变化这么大，跟跳水式的，见证整个社会大转型……我特同意徐冰说的一句话，哪里有问题哪里就有艺术，就看你怎么做。正是因为有问题，有种种的问题，我需要做的还挺多的。而且我一直坚持，每个人的能力有限，智慧也有限，但我尽力来利用现有的条件，做一些我认为有价值和有意思的事。我就挺知足的。另外我也特别相信，你对这个社会有不同程度所谓的影响或者说贡献，这个社会会以不同程度的方式来报答你的影响和贡献，这是一个正比例的关系，所以可能有一点乌托邦或者是过于理想主义。有乌托邦情怀的人可能就不太计较一些其他的细节，或者说这是我信奉的一个东西，我觉得这个挺重要的，也是我乐此不疲的一个动力。
冯博一：这个回馈咱说得庸俗一点，就是名利。你做了很多事，在艺术圈里头有了一定的名头，大家会说：冯博一做得还不错，策划的展览项目还不错，这不就是一个形象吗？另外，通过策展，我还可以养家糊口。这就是一种回报，生存不就这两方面嘛。你维持了基本的生存，同时你还有你的追求，这追求不同程度上还对社会有一点作用和影响，尽管这个作用和影响程度可能不同，当然我问心无愧的是，我尽力了。包括做“堆叠”项目，不管怎么样，尽力把它做好，就有一种相对欣慰，这就是一种动力。
冯博一：我觉得人得有点追求，得有点乌托邦情怀。其实还是一种追求。人活着，除了吃喝拉撒睡之外，应该有点追求。
冯博一：对中国的当代艺术能产生一定作用，能有点推动力。这是我一个很朴素的想法。因为当代艺术是一个生态，这个生态有很多环节，画廊是一种，拍卖公司也是一种，艺术家当然是主角，策展人也是，还有做艺术博览会、做艺术市场，这些环节构成了生态。生态肯定要不断变化发展，其实这也是人的本能。人不可能仅仅满足于物质生活，还得有精神追求或者说信念、情怀。我是通过策展的方式表达我对现实的思考、判断和想要表现的东西，这种表达表现能对当代艺术起到一定的作用，你可以说这个作用不好，或者说这个作用很弱，但是我觉得能够起到作用，而且我尽力了，就可以了。我就是在民间，利用民间的空间，竭力做一些力所能及的事情。
ARTDBL：但可能会有人觉得，怎么到现在还在说什么情怀理想，有点太天真了。
冯博一：是有点傻逼，但还是得有。对，没有更完美的方案，但恰恰世道这么不好，所以我觉得更需要发声了。艾未未说过一句话，特掷地有声：表达需要理由，表达就是理由。一个社会人，当然需要表达，艺术家是通过创作来表达的，我通过策划展览做表达。表达对我来说是基本需求，反而过平稳、安稳的日子，我觉得没劲。举个例子，2020年疫情刚爆发，大概两年前这个时候，也是哪都不能去，我说反正也出不去，说还不如歇歇，干嘛让自己那么累，但后来我最大的体会，就是觉得好像睁开眼，今天没有什么紧迫的事，抽烟都不香了。后来我就受不了。现在真的觉得，每天早上起来吃完早饭，抽颗烟，打开电脑干活，是我最幸福的时候，也是习惯了，或者说这就是命。
张文超《“围城游戏”：失序的地带》作品在何香凝美术馆展出现场，2014年。
冯博一：我可宿命了，尤其是到这份上。你一生下来是什么样子，跟家庭、背景这些都没关系，注定就是这么一个人。你既然是这么一个人，就尽量把这种人所有的能量发挥出来。其实我做策展人特偶然，原来是个编辑，后来开始做展览，稀里糊涂的，一不留神就变成策展人了，那会儿也没有这个专业，不像现在学校专门学策展、学艺术管理，竞争多激烈，好多人做都没机会。
ARTDBL：年轻人肯定虎视眈眈看着你们这帮老策展人，想着有一天赶紧取而代之，会有危机感吗？冯博一：当然有了，现在年轻人都很厉害，虎视眈眈瞄着我，都看不起我，都很冷漠，很蔑视(笑）。当然有危机感了。但我觉得这也是一个时代的代际问题。年轻人当然代表最新的，最鲜活，老的都要被淘汰了，肯定有压力和紧迫性。说实话，现在年轻人很多专门学策展，他们所获得的资讯、专业知识、眼界，还是挺厉害的。再加上社会变化太快了，包括互联网，新媒体，生活艺术，人工智能、算法这些都出来了，我们老江湖肯定跟不上，也很正常，一代一代就是不断跑出来的。但像我们这种身份至少有一个好处，那就是有更多的在地经验，对于中国现实本身了解得更多。当然在这个基础上，还是要保持一个活跃性、敏感性和实践性。也就是说，你要敏感，要有活力，要有激情，同时你还要有行动能力。总之不能吃老本，吃老本就意味着被淘汰了。但是肯定有些经验，经验从某种角度是一种优势，也可能是一种保守的障碍。ARTDBL：有时候恰恰是通过否定自己和反思自己来进化。冯博一：就是要不断反思，要自我批评。做完（展览）之后别沾沾自喜，别觉得自己怎么样，其实还有很多问题，每一次展览项目都会有这些问题，尽量避免在下一次重复这些问题。要保持所谓的活力，别总觉得自己大腕、自己怎么牛逼，没用。这种所谓实验性，就是自我批判，自我反省，自我评价，这样才能不断地有所进步，否则你就吃老本，固步自封，就停滞不前。
冯博一：都有吧，包括自我批判，包括批判社会，批判艺术系统。批判这个概念，倒不是说我就批判社会的各种现实不公或者荒诞，它还包括对艺术本身的一种否定。例如对比20年前，我觉得很难说自己进步了，但我还是不太满足于现状，在努力地进步。当然这种进步的幅度或者是结果怎么被人评价，我觉得这不是问题，但是我在摆脱刚才说的那种不进步的停滞状态。
ARTDBL：回头看你为东京画廊第一次策展的20年前，是一种什么心情？怀念吗？
冯博一：倒不是特别怀念那个时候，因为我觉得，每个时代都有一个时代的状况。这种状况当然也包括好的，也包括有问题的，时代不同，问题也不同。所以，最关键的是你能不能在不同的时代，针对不同的问题来发声，来表达。如果老是沉湎于过去，或者说你那时候怎么牛逼，那没用。什么叫与时俱进？这个词已经烂了，但仔细想，与时俱进这个概念，就是“笔墨当随时代”，就是说你的艺术创作一定要跟这个时代有很直接的关系，当然这种直接关系不是一对一的反映，是要有一个艺术转换，变成艺术作品，用所谓一种艺术语言的方式、形象的方式来反映，你的独特性在什么地方，而这种独特性既有当下性，还有前瞻性，也就是未来感。你的艺术要是好，就应该有历时性，有现实性，还有前瞻性。同时你的认知，你的思考，你的判断一定要跟时代有联系，否则就没价值。你看，好的艺术家，他们的作品都是跟这个时代有关系的。艾未未有艾未未的方式，徐冰有徐冰的方式。老是画那些花花草草，全是风花雪月，全是岁月静好，有什么劲呢？中国社会这么急剧的变化，视而不见吗？ARTDBL：这对艺术家和策展人好像都是一个很高的要求，像前段时间上海封控，全部的精力都用来抢菜、关注吃喝拉撒，而且还陷入抑郁，这种状态下不可能做艺术。
冯博一：是。所以真正好的艺术家还是少的。所以还是事在人为。我一直觉得，你怎么来看待现实，然后从现实中，能抽离出什么东西，而这种抽离和艺术表现，能否特别针对现实，并且让人感觉有一个新的思路，一扇新的窗户被打开，或者说带来了启发性。不论对艺术家，还是对策展人，其实都是这么一个要求。
ARTDBL：看过去20年，再看今天，又是一种什么感受？
冯博一：这个问题比较复杂，谁会想到从2020年开始，会发生这么大的变化，这个变化绝不是只有中国，也包括整个国际世界，包括不同的阵营，这个谁也没有想到。从这种角度来说，回顾20年前，当然会觉得那时候好。那时候做展览，相对自由度还是挺大的，现在恐怕展个裸体都是问题。那时候，中国当代艺术一直在进步，虽然有很多问题，我一直说“美丽的混杂”，很繁荣，当然也泥沙俱下，但都挺正常的，总体还是一个有序和渐进的过程，但现在不是了。包括那时候做国外的项目，一个大背景是，世界对中国感兴趣，所以关注你，也希望做艺术的交流，现在，也不谈了。所以有人问我对未来有什么期待，我说没什么期待，因为没有未来。
ARTDBL：20年前，东京画廊的出现代表的是开放性和进入性、交流性，20年后你怎么看这一点？冯博一：20年后的当下，谈不上开放，也谈不上交流，也没有进入，只有内卷。本文发表前经过受访人审校。文中用图由受访人惠允，其中“堆叠”展览作品图片由高文建摄影。
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